Aún con los violentos crímenes que han asombrado a Chile desde hace unos pocos años, este caso sigue resultando particularmente impactante. Tanto por la víctima directa como por la horrible manera en que fue “sacrificada”.
El documental recorre la historia tomando como hilo conductor a uno de sus protagonistas, Pablo Undurraga, y además entrevista a otros miembros o ex integrantes de la llamada secta de Colliguay, algunos con sus nombres y frente a cámara, otr@s, con sus rostros a oscuras y sobrenombres, y una testigo protegida. También se recogen testimonios de personal de la PDI —detectives, subprefectos— fiscales, personal del sistema judicial que intervino en el caso, psiquiatras, e incluso del padre de Undurraga.
Una entrevistada que también articula el relato es la periodista Verónica Foxley, quien publicara en 2013 el libro de investigación “Cinco Gotas de Sangre: la historia íntima de Antares de la Luz y la secta de Colliguay”.
Entremedio de los dolorosos y tristes hechos que se van narrando, mirado en perspectiva hay dos aspectos que vuelven especialmente interesante este documental.
Pablo Undurraga, un joven de clase alta, colegio particular católico (no lo mencionan), relata su soledad durante sus años escolares, aquellos aspectos físicos o intereses que lo hicieron “pasto de bullying” (como dice su padre) y cómo recién fuera de allí encontró amistades. A los 18 ya tenía un diagnóstico de depresión. Así las cosas, llega a decir: “Nunca había sido tan feliz en mi vida como cuando entré a la secta”.
Hay situaciones, hechos, “órdenes”, que pudieron ser una alerta para salir arrancando de esas garras, pero así opera una secta: llega un momento, muy difícil de precisar, en que ya se está completamente atrapado.
El juicio lapidario que algunos entrevistados hacen puede coincidir con el de muchos espectadores. Y es entendible: el crimen es escalofriante.
En lo personal, pienso que, en un caso como este, la línea entre víctima y victimario de un cómplice ¿pasivo? (P. Undurraga) es inmensamente difusa. Y detectar y hacerse cargo de la vulnerabilidad de las personas (algo nada sencillo) puede hacer una importante diferencia.
Antares de la Luz: La secta del fin del mundo
Dirección: Santiago Correa
Guion: Valerie Schenkman
Música: Carlos Cabezas
Chile, 2024
Duración: 100 min.
La película del japonés Ryusuke Hamaguchi es una pieza cinematográfica de tal finura y delicadeza que se entiende que haya arrasado con premios y loas de la crítica.
Basada en un cuento de Haruki Murakami (1949), uno de los escritores nipones más prolíficos y reputados, Hamaguchi teje una historia intimista en torno a la pérdida, la culpa, el dolor y la posible redención.
Es un drama contenido que relee a Chejov, estableciendo un paralelo entre el protagonista —un director y actor de teatro— y los personajes de “El tío Vania”, acaso una de las obras más representadas del autor ruso en el mundo.
Yüsuke (Hidetoshi Nishijima) tiene la costumbre de repasar y ensayar las obras escuchando en su auto un casete grabado por él y su esposa, una reputada guionista.
Tras sufrir una pérdida, Yüsuke acepta trasladarse a Hiroshima para dirigir un montaje de la obra de Chejov. Un montaje en lengua japonesa, coreana, inglesa y de señas.
Siempre conduciendo su viejo automóvil rojo.
Ha pedido ser ubicado en un hotel a una hora de distancia del Teatro para disponer de ese tiempo escuchando las grabaciones de la obra: es su manera de estudiarla y ensayar.
El único inconveniente con que se topa es que, por reglas del establecimiento, debe aceptar, con mucha reticencia, un chofer que lo traslade a todos lados. El conductor resulta ser una chica joven, Misaki (Tōko Miura), muy singular, inmutable y de pocas palabras.
La aparentemente improbable amistad que surge entre Misaki y Yüsuke se abre al espectador en dos de las secuencias más inolvidables de este filme extasiante y bello.
Ni un minuto —ni un encuadre— sobra de las tres horas que dura el metraje. Aunque, por cierto, así como Chejov, esta no es una película para cualquier público.
Oscar 2022 a Mejor Película Internacional (más dos nominaciones); Bafta a Mejor filme Habla no Inglesa. (96 premios).
Drive my car / Doraibu mai kâ
Dirección: Ryûsuke Hamaguchi
Guion: Ryûsuke Hamaguchi, Takamasa Oe
Japón, 2021
Duración: 179 min.
Esta potente película de Sarah Polley (Lejos de ella, con Julie Christie) es una adaptación de la novela de la canadiense Miriam Toews, quien, a su vez, se inspiró en un hecho ocurrido en una colonia religiosa menonita de Bolivia, entre 2005 y 2009.
En el filme, los hechos se trasladan a una zona rural de EE.UU. en 2010. Durante años, un grupo de mujeres y niñas han sido dopadas y luego salvajemente violadas por unos hombres de la comunidad.
Al ser descubiertos, se instala un debate ético-religioso entre las víctimas —reunidas en un galpón— sobre qué corresponde hacer con estos sujetos, que han sido llevados a la justicia.
Un hombre de la colonia, un joven y bondadoso profesor, las ayuda a resumir sus ideas: ninguna de ellas sabe leer ni escribir; la educación les estaba vedada.
La película es muy cuidadosa en cuanto a mostrar la brutalidad que genera la historia.
En cambio se concentra en las profundas reflexiones que surgen entre estas mujeres de las más diversas edades y también en deconstruir qué hay tras las fuertes y diversas reacciones emocionales de este variado grupo.
Entre el potentísimo reparto están Rooney Mara, Claire Foy (The Crown), Jessie Buckley, Frances McDormand, Ben Whishaw.
Brillante y necesaria.
Oscar al Mejor Guion Adaptado. Nominada a Mejor Película.
Women Talking
Dirección y guion: Sarah Polley
EE.UU., 2022
Duración: 104 min.
Tan intensa y seductora como si fuese un thriller de suspenso, esta verdadera épica del marketing abunda en humanidad, sentimientos auténticos y mucho sentido del humor.
Sonny Vaccaro (Matt Damon) jamás podría ser reemplazado por el programa de IA Chat GPT, ese que amenaza con hacer desaparecer más de 50 profesiones. Sonny es del departamento de básquetbol en la compañía que levantó desde la nada su amigo Phil Knight (Ben Affleck): Nike.
Es 1984 y la cosa en EE.UU. con respecto a las zapatillas se define según sus ventas en el básquetbol. Y la situación está así: Converse, Adidas y en un tercer lugar, con un 17% de participación, Nike.
Sonny está convencido que la única manera de salir de allí es atraer a Michael Jordan. Y lo sabe porque lo ha observado una y otra vez a él y otros jugadores en videos que pasa en su aparato VHS; y porque escucha y presta atención incluso a su casero donde compra pan, revistas y bebidas.
Los peros son un montón: Jordan, dice su representante, no quiere nada con Nike; el directorio de Nike ha decidido que el presupuesto se reparta de una determinada forma y nada más; Jordan es muy caro para Nike.
Plagada de situaciones y diálogos filudos o francamente divertidos, escenas desbordantes de tensión o francamente inolvidables (Sonny sentado junto a Mrs Jordan, la gran Viola Davis, frente a los bosques centenarios de Carolina del Norte) y una banda sonora que se teje sólida con el guion. ¡Muy buena!
Nominada a los Globos de Oro 2024 Mejor Película y Mejor Actor (musical o Comedia); a los Critic`s Choice 2024, Mejor reparto, guion original, montaje; Sindicato de Guionistas, Mejor guion original.
Air
Dirección: Ben Affleck
Guion: Alex Convery, Ben Affleck, Matt Damon
EE.UU., 2023
Duración: 112 min.
La directora y coguionista de Barbie, el fenómeno cinematográfico del año pasado, tenía 34 años cuando estrenó esta refrescante, singular y encantadora dramedia.
En Lady Bird —su segundo largometraje— Greta Gerwig desgrana una historia madre-hija en un estilo naturalista y cercano, que está siempre sorprendiendo y que se permite por ahí escenas extravagantes que mueven a risa.
La buena mano de Gerwig acertó también al escoger a dos actrices que son capaces de construir un par de personajes deslumbrantes y magnéticos, de esos de los que uno no quiere despegar la mirada. Saoirse Ronan (nominada al Oscar por este rol) es Christine McPherson, que se hace llamar Lady Bird, y Laurie Metcalf (también nominada al Oscar), es su madre, Marion.
Dos mujeres de carácter, decididas y llevadas de sus ideas que logran equilibrar con cierta amabilidad las tensiones y chispas que surgen del choque de sus temperamentos. Ello, un poco gracias a una base de afecto sólido existente -del que Christine-Lady Bird en principio no confía (¡es una adolescente!), pero sobre todo a la intermediación del bueno de papá. Larry es un hombre algo mayor, que ha quedado cesante, en plena crisis de comienzos del siglo XXI en EE.UU.
Cargada de humor inteligente, por esta historia circulan seres humanos, no estereotipos, que conversan y se relacionan entre ellos ante una cámara que los trata como si estuviesen en un reality.
La economía de recursos es parte de su virtud, porque no nos priva de nada -ambientes, exteriores, los pequeños mundos por los que circula la protagonista- pero nunca sobrecarga.
Ese complejo paso vital que hay entre dejar el colegio (y la familia) y convertirse en universitaria, en un entorno con sus complicaciones, está tan precisa y deliciosamente retratado que es un gozo ver esta película.
También actúa Timothée Chalamet
Nominada a 5 Oscar: película, dirección, guión, actriz y actriz de reparto.
Lady Bird
Dirección y guion: Greta Gerwig
EE.UU., 2017
Duración: 94 min.
Ingenio, humor, extravagancia, emoción, drama y un brillante y creativo trabajo musical y coreográfico, a la altura de Sir Elton John, recorren Rocketman de la mano de Dexter Fletcher en la dirección y Lee Hall (Billy Elliot) en el guión.
Aunque el propio músico es el productor ejecutivo, esta es una biopic descarnada, que se focaliza de lleno en su etapa más confusa, esa en que se mezcla su fantástica y meteórica llegada al cielo de las estrellas del rock y la imposibilidad de procesar las heridas de una infancia muy poco feliz.
Con esta película Elton John (Taron Egerton) escoge sacar a pasear sus demonios y cobrar, bien cobradas, las cuentas. Aparte de sus progenitores, el relato reserva los peores y más crudos momentos para su primer amante y manager (Richard Madden).
En cambio, de su infancia, emerge su abuela (Gemma Jones) como su gran refugio. De su juventud, Bernie Taupin (Jamie Bell), el amigo fiel y equilibrado, con quien recorre prácticamente todo el camino de esta película. Con todos ellos —y el fantasma del niño que fue y lo que queda de él— se enfrenta en aquella sala del inicio.
Más allá de repartir culpas y agradecimientos, también hay un espacio para la autocrítica.
Fletcher —el mismo que terminara haciéndose cargo de Bohemian Rhapsody tras el despido de Bryan Singer— despliega aquí toda su fantasía, filmando todo lo que no pudo en esa película. Sorprendentes y vívidas secuencias musicales, fundidos encadenados con tomas circulares, piruetas delirantes en cámara lenta y una cuidada selección de repertorio, canciones interpretadas por Egerton.
Rocketman
Dirección: Dexter Fletcher
Guion: Lee Hall
Reino Unido, 2019
Duración: 121 min.
Julianne Moore ya había trabajado bajo las órdenes de Todd Haynes en esa extraordinaria película que es Lejos del Cielo (Far from Heaven, 2002).
Secretos de un Escándalo también juega a preguntarse por las convenciones sociales, en esos momentos en que los límites morales parecen diluirse. Pero esta historia va mucho más allá: se cruza con la ley, una que nadie discutiría porque protege a los menores de edad.
El hogar de Gracie (J. Moore) y Joe (Charles Melton), un matrimonio con hijos de distintas edades, se ve luminoso y alegre. Hasta allá llega Elizabeth (Natalie Portman), una actriz que les ha pedido que le permitan convivir un tiempo con ellos porque está haciendo una película sobre la turbulenta historia de la pareja. Gracie la recibe alegre y todo parece armónico e ideal en esa linda casa. Pero hay una historia que los precede, tanto así que interesa al mundo del cine, y que todos en los alrededores conoce (¡cómo no! Si fue portada en todos los periódicos y noticieros).
Elizabeth se entrevistará con gente muy cercana al matrimonio, que le devuelven una cruda mirada. Y toda la calidez con que Gracie se ha empeñado en rodearle en su casa choca con la gelidez y a veces rudeza con que estos testigos directos le responden.
Gracie insiste en su encantadora sonrisa que se torna cada vez más histérica. Difícil mantener el control si en su casa tiene observando todo a quien la representará en el cine. El duelo/mímesis entre ambas llega a su paroxismo en aquella grandiosa secuencia frente al espejo.
La forma en que Julianne Moore transmite esa falsa alegría, que reprime lo que quiere ser un llanto, es asombrosa. Gracie, con toda la fuerza posible, evita que Elizabeth se asome detrás del espejo: si el cine va a hurgar en su escabrosa vida pasada, que se quede con este escenario luminoso y ese rostro alegre que persevera en mantener.
Envolvente y fascinante drama/thriller con sus toques de humor. Basada en hechos reales, ocurridos en Seattle en la década del 90.
May December
Dirección: Todd Haynes
Guion: Samy Burch
EE.UU., 2023
Duración: 113 min.
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