La vida está jalonada de hechos azarosos que no controlamos. También de errores y malentendidos: la condición humana es compleja y contradictoria. Pero no son los súper héroes quienes nos sacan de los atascos y dolores: somos nosotros mismos y el afecto de quienes nos rodean.
Hace un año que Johnny (J. Phoenix), un periodista que graba notas y podcast en diferentes ciudades de EE.UU., no se habla con su única hermana. Lleva una vida solitaria y nómade tras la que se esconde un vacío y un sinsentido que el quehacer y la bulla del trabajo acallan bien.
Pero el impersonal e impoluto hotel donde descansa esa noche y su silencio se le hacen insoportables. Toma el teléfono y llama a Gaby. El diálogo es amable, aunque entrecortado: hay demasiados dolores pendientes, conversaciones que no fueron.
En ese breve intercambio sabemos que hace un año, la madre de ambos ha muerto; que Gaby también hubiese querido llamarlo. Gaby está casada y es madre de Jesse, un niño de 9 años. Pero afronta un complejo problema.
Así, Johnny se trasladará hasta donde vive Gaby y mientras ella soluciona la dolorosa situación que atañe a su marido, él se hará cargo de su sobrino. Filmada en un necesario y preciso blanco y negro, la película es un drama a la vez entrañable y encantador; una road-movie improbable; un múltiple reencuentro causado por el azar.
La reconciliación del protagonista va por dentro y por fuera: no es solo la distancia con su hermana, sino lo que no ha resuelto al interior de su alma.
Jesse —gran mérito del guion— es un niño común y corriente. Tanto, que parece sacado de la vida real: contradictorio, amoroso, exigente, amable, llevado de sus ideas, sencillo. Todo a la vez. Y Johnny debe seguir haciendo su trabajo, así es que el recorrido por las calles del país haciendo preguntas a niños y adolescentes lo hace con él.
No es una tarea ingrata; tampoco nada fácil. Esta relación paterno-filial de última hora han de improvisarla entre ambos. Y los dos atraviesan un momento vital emocionalmente complejo.
Jesse acostumbra a que le lean cuentos (“Star Child”, de Claire A. Nivola; “El maravilloso mago de Oz”, de L. Frank Baum). Gran recurso para enfatizar sobre el tema que gravita en C’Mon C’Mon (algo así como “¡vamos, vamos!”), al que se suma aquello que Johnny recoge en sus entrevistas. Y que es nada más, nada menos, las relaciones familiares, los vínculos afectivos, la convivencia, las esperanzas. En suma: aquello que siempre ocupará a la humanidad.
Una película que llega al alma, que se disfruta, que emociona, que también es divertida, que estremece para bien.
Categoría IMPERDIBLE.
C’MON C’MON: SIEMPRE ADELANTE
(C’mon C’mon)
Greg (Thomas Mann), un chico en el último año de secundaria, con una timidez rayana en la fobia social, es quien narra su historia y su particular y divertida forma de mirar y enfrentar la vida.
Él no sólo es un buen chico sino que es creativo, inteligente, gentil. Solo que no lo sabe: su opinión de sí mismo es tan pobre que su única aspiración en la vida es pasar inadvertido, ser invisible.
Las estrategias que desarrolla para conseguir ello en la selva que es el high school son francamente graciosas. Pero gracias a ellas, “zafa” y vive en paz.
Su único amigo es Earl (RJ Cyler), un chico afroamericano que vive en un barrio peligroso, a quien conoce desde pequeño de una insólita manera. Él lo llama compañero de trabajo porque juntos hacen películas.
En lo que es el más entrañable homenaje al cine dentro del cine, los chicos filman graciosas versiones de clásicos, usando los recursos que tienen a la mano (gran lección: el verdadero arte surge desde la imaginación, después vienen los recursos).
Y es que el padre de Greg, un profesor de sociología que circula en bata de levantarse durante todo el filme, los ha acostumbrado desde pequeños a sentarse con él en su sofá a ver películas europeas (Herzog, el más citado).
Este precario equilibrio que mantiene Greg se rompe cuando su encantadora pero muy insistente madre lo conmina a visitar a una compañera, Rachel (Olivia Cooke), que acaba de ser diagnosticada con leucemia. ¡Es como si le pidiera que escalara el Everest!
Pero Greg ni siquiera es capaz de ser rebelde y a contrapelo parte a casa de Rachel, a quien alguna vez ha visto en la escuela y nada más.
La relación que establecen esta adolescente amenazada de muerte y Greg, un chico que evita vivir la vida, es inusual, sorprendente, insólita, entrañable, como lo es toda la película, una de las pocas que ha sabido mirar al alma a la más compleja de nuestra etapas vitales: la adolescencia.
Hay tanto humor en ella que no se puede creer que en el centro esté el drama de una jovencita que padece una enfermedad cruel de pésimo pronóstico.
Y es que Yo, él y Raquel trata más bien de algo tan difícil como enfrentarse a la muerte: el doloroso pero insoslayable proceso de crecer. Algo que tenemos que hacer solos, por más que los adultos que nos rodean y aman quisieran hacerlo por nosotros.
Aguda, llena de detalles y elementos seductores -personajes, guión, música, ambientes, estructura narrativa- Yo, él y Raquel aborda con soltura, simpleza, ingenio y creatividad una historia que pudo ser un cliché de principio a fin.
Categoría IMPERDIBLE.
YO, ÉL Y RAQUEL (Me & Earl & the Dying Girl)
Parece injusto decir que On The Rocks es una comedia de equivocaciones y aventuras porque lo que consigue Sofia Coppola es desarmar un género y construir con él un drama cotidiano desde la más absoluta originalidad.
Desde aquella primera breve “imagen”, con la pantalla en negro, en que escuchamos un diálogo entre un padre y su niña, sabemos que esa complicidad entre Laura (Rashida Jones) y Felix (Bill Murray) atravesará esta historia. Aunque enseguida nos traslade, también escuetamente, al matrimonio de Laura con Dean (Marlon Wayans). Una secuencia de escenarios exquisitos, que sitúa a los novios en un glorioso erotismo.
Es solo el prólogo. Coppola es directa y elocuente porque tiene claro a lo que va. Y eso es Nueva York, 7 años después (¿la comezón del Séptimo Año?): la pareja vs la familia.
Laura y Dean tienen dos hijas pequeñas, los cuatro son felices en un hogar auténticamente alegre y armónico. A Dean le va muy bien con su emprendimiento que, eso sí, lo mantiene viajando a menudo. Mientras, Laura está estancada: escritora con reputación, en su iluminado y espacioso escritorio, “cuando puede” se enfrenta a esa temida página en blanco.
El “cuando puede” significa la vida de dueña de casa: llevar todos los días a la mayor al colegio, mientras empuja el cochecito de la menor y en las filas de entrada se convierte en la confidente involuntaria de otra madre que majaderea con cuitas tediosas. Y vuelta a casa.
Sofia Coppola es diestra poniendo en escena la rutina —esa aplastante— con pinceladas precisas y, de paso, cómicas.
También en recordarnos que nadie se da cuenta cuándo se está encerrando en la mirada propia: así, el mundo, las realidades y la interpretación de ellas se vuelven estrechas, presas de un estado anímico que nos alejan de lo que de verdad ocurre en nuestro entorno.
Es en ese proceso que la rutilante novia que fue Laura llegó a ser hoy una mujer apagada, que no reconoce su brillo ya oculto, cuyas inseguridades se retroalimentan un fin de semana con su madre y familia, en aquella mansión rodeada de grandes jardines.
Por eso, el descubrimiento de un objeto disonante desencadena lo que sigue. ¿Qué queda? Llamar a su cómplice de la vida: papá.
La entrada que Coppola le brinda a Bill Murray es gloriosa. Si en Perdidos en Tokio (2003) la directora le abrió la ocasión de mostrar al mundo su calado de gran actor, Murray le devuelve la mano construyendo un personaje magnético e inolvidable.
Felix es un viejo pero muy vital “bon-vivant”, culto, refinado, mundano, un playboy muy vivido y sobre todo ¡encantador!, en todo el sentido de esa palabra. Astuto pero delicado, decide ayudar activamente a su indecisa “pequeña” con las dudas que la corroen.
Aunque Felix pueda meter la pata con sus singulares actuaciones, solo una gran quebrazón de vidrios sacará a Laura de su estado de aletargamiento vital. Los giros, pequeños y grandes, son todo lo que un espectador agradece en una buena historia.
Personajes y película son ¡entrañables y encantadores!
Y lo que Sofia Coppola lleva a la pantalla con gran oficio en On The Rocks es una reflexión atingente y aguda, que exuda vitalidad, cercanía, afecto, humor.
ON THE ROCKS
STAN & OLLIE (EL GORDO Y EL FLACO) (En Netflix)
Mucho más que una biopic, El Gordo y el Flaco (Stan & Ollie) es una comedia dramática entrañable, aguda y divertida —con actuaciones de antología— que aborda con delicadeza y humanidad el ocaso vital de dos artistas que conocieron la cumbre del éxito y la fama.
Y más aún: es una historia que ahonda en toda su profundidad aquello que llamamos amistad. Ante lo inabarcable que podía ser contar la vida de dos mitos de Hollywood como son Stan Laurel, “El Flaco”, y Oliver Hardy, “El Gordo”, sus realizadores optaron por concentrarse en su etapa más desconocida. La ganancia es la perspectiva: solo hacia el final de la vida, las sumas y restas pueden ser más certeras, y aquello que nos pareció crucial, o a la inversa, adquiere su verdadera estatura una vez que el tiempo ha pasado.
Para llegar a esta dimensión, la historia comienza en 1937, en Culver City, California: en un cautivador plano secuencia la cámara sigue a Stan (Steve Coogan) y Oliver (el gran John C. Reilly) desde su camarín hacia el set, abriéndonos ese mundo de Hollywood en que mandaban los productores. Stan, el creativo, el que nunca dejó de pensar y escribir los guiones, se enfrenta al poderoso Hal Roach antes de filmar en el set: quiere una participación más justa en las ganancias, pero Oliver —el encantador “Babe”— elude siempre los conflictos. Esta situación —manejada como tiburón por Roach— gatilla el quiebre de la dupla.
Lo que sigue es la llegada de Laurel y Hardy a Inglaterra (país de origen del primero), en 1953, convocados a una gira por diferentes teatros. Se supone que un productor en Londres hará una película con ellos, una parodia de “Robin Hood”.
La fama mundial que han ganado con sus películas es un antecedente siempre contradictorio: todo el mundo (o casi) se emociona al reconocerlos, pero son un recuerdo, son el pasado. Con una dignidad y una fineza que jamás pierden, se enfrentan a la sorpresa de la pobretona posada que los espera para instalarse y los más o menos ruinosos teatros contratados para sus presentaciones. Nada hace decaer su espíritu y muy pronto sus rutinas conquistarán mejores públicos.
Los realizadores cruzan permanentemente la línea del relato biográfico con la de los guiones: divertidos gags se suceden en escenarios y en la vida real. El humor omnipresente y la estatura moral sin aspavientos de dos buenas personas contribuyen a eludir lo patético apenas se asoma y a atenuar algún momento que, tratado de otra forma, pudo ser humillante.
Aún cuando queden desengaños y asperezas por limar; aún en momentos en que aparecen frases muy hirientes, hay una gentileza y bonhomía que jamás se pierde entre ellos.
Si Reilly y Coogan (gran mimo) nos regalan una exquisita clase de actuación —ensamblados en una química asombrosa—, no menos divertidos y fascinantes resultan los personajes de sus respectivas esposas.
Los muy famosos El Gordo y El Flaco no recibieron derechos por sus películas pero esos últimos años frente a un eufórico público inglés y luego irlandés confirmaron su genio artístico. Y su mutua lealtad a toda prueba.
STAN & OLLIE: EL GORDO Y EL FLACO (Stan & Ollie)
Basada en hechos reales, La Excavación consigue introducir al espectador en una atmósfera propia de un lugar y un momento particular de la historia.
Es el año 1938: hasta una zona de la campiña ubicada al sureste de Inglaterra llega Basil Bown (en una sólida interpretación de Ralph Fiennes). Arqueólogo por oficio, Bown ha sido convocado por Edith Pretty, una joven aristócrata viuda, madre de un hijo, dueña de grandes extensiones de tierra. Edith está segura que allí hay valiosos y antiguos tesoros por descubrir.
Carey Mulligan, como Mrs Pretty, desempeña aquí uno de los roles más logrados de su carrera. Con Fiennes construyen personajes con sus peculiaridades, de maneras contenidas a la vez que elocuentes, que resultan muy atractivos para el espectador.
La dirección de Simon Stone le da una cadencia muy singular a esta historia en la que se mezclan pequeñas y grandes intrigas, con la inminente guerra anunciándose como telón de fondo, ya sea por informaciones en la radio o en las visitas a un Londres preparando a su población o los aviones entrenando pilotos que surcan el cielo de la tranquila localidad.
Los grandes planos que se abren a los lugares de excavación o al río, se intercalan con aquellos más acotados, cuando la cámara se detiene en los acogedores y armoniosos ambientes de la casona.
Muy bien lograda la construcción de diálogos: ágiles, siempre sorprendentes, a veces escuetos o con pequeños guiños de humor. Stone va sumando personajes a medida que la trama se desarrolla y con ellos aparecen pequeñas luchas de poder que parecen cómicamente sobredimensionadas.
Pero cuando queda a la vista el trasfondo histórico y el contexto de los hechos, se asoma la verdadera relevancia de esta pequeña épica. Una en que siempre, desde distintos ángulos, situaciones y personajes, nos está hablando de la vida y la muerte, como parte de la dimensión humana y de la historia de la humanidad.
THE DIG (La excavación)
Para saber qué ver en cines y por streaming, no te pierdas el recomendado semanal de Ana Josefa Silva en Ex-Ante.
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