Esta película de Florian Henckel von Donnersmarck (el mismo de la muy famosa La Vida de los Otros) atraviesa cuatro décadas de la historia alemana del siglo XX, desde el surgimiento del nazismo hasta los años ’60. Y lo hace desde los ojos de Kurt, un niño que suele ir de la mano de su joven y hermosa tía Elisabeth (Saskia Rosendahl) a visitar muestras de arte y museos.
Es 1937. Hasta el país ha llegado una famosa exposición de vanguardia artística, a la que los nazis denominaron como “Arte degenerado” (Entartete Kunst). Kurt es llevado al museo de Dresde por su tía, admiradora de ese arte.
El destino de Elisabeth es sombrío. La familia, gente sencilla de pueblo, confía en el Estado: no se cuestionan ni se enteran mayormente de las siniestras políticas del Gobierno Nazi, que abarcan la vida personal. Luego vendrá la guerra y la ocupación soviética y Kurt crecerá viendo morir uno por uno a sus familiares.
La fuerte influencia que ha dejado en él su tía Elisabeth lo conduce a la Academia de Arte, en ruinas tras los bombardeos. Allí conocerá al amor de su vida, Ellie (Paula Beer).
El padre de la muchacha, el Doktor Seeband (Sebastian Koch, que también actuó en La vida de los otros), un sujeto siniestro, carga con una historia que terminará de cerrar el círculo hacia el final del relato. Seeband ha sido un eficiente funcionario del régimen nazi, pero se las ha arreglado para ahora ser un eficiente funcionario del régimen de la Alemania comunista.
El talento de Kurt lo lleva a la Academia de arte de Berlín, donde deberá someterse a los lineamientos totalitaristas. Kurt y Ellie —que ya saben de la amenaza que es el Doctor Seeband— se sumarán a los cientos de alemanes del este que subirán a un tren en una estación atestada de gente para llegar a la Alemania Occidental. Algo que se podía hacer siempre que no se cargara con nada parecido a una maleta: los soldados vigilantes entonces los detendrían. Es el `preludio a la construcción del Muro de Berlín que solo un poco después separaría a Alemania.
Kurt continuará sus estudios en la Academia de Düsseldorf con un maestro como Joseph Beuys. La película entrega no solo esa mirada humana e íntima de quienes padecieron ambos regímenes, sino que es también una profunda reflexión sobre el arte y la honestidad que exige. El personaje de Kurt Barnert (Tom Schilling) se inspira en el afamado pintor Gerhard Richter, hoy de 90 años.
Su famosa pintura “Tante Marianne” (1965), retrato de él cuando niño junto a su tía, está en el MoMA de Nueva York. La película es ¡apasionante!
No dejes de mirarme (Werk ohne Autor)
Maggie Gyllenhaal debutó como directora con esta adaptación de la novela del mismo nombre (“La Figlia Oscura”), de la muy famosa Elena Ferrante.
La Hija Oscura va directo sobre aquello que varias escritoras han abordado de maneras muy diferentes: el lado gris de la maternidad. Ese día a día en el que una mujer joven —y quizás aun madurando— intenta desarrollarse y realizarse profesionalmente, vivir el erotismo con su marido (casi tan estresado como ella) y criar a su prole. Todo a la vez, en un malabarismo desgastante.
Esta es, sin embargo, una película que transcurre en parajes luminosos, bellos, con momentos festivos, otros tensos y algo misteriosos. Leda (Olivia Colman), una mujer de mediana edad, decide tomar vacaciones en un pequeño pueblo costero en Grecia, buscando silencio y paz Allí la recibe el encargado, Lyle (Ed Harris), y en la playita solitaria a donde baja cruzando un pequeño bosque, la atiende William, un joven irlandés.
Británica, doctorada en lenguas y académica de literatura, está divorciada y tiene dos hijas. La idílica y silenciosa playa de pronto es invadida por un familión ruidoso y entrometido, incluido un tumultuoso e impertinente grupo de jóvenes.
Es la primera tensión que se instala. Sutil y difusa, como todo en esta historia. Entre el grupo, hay una muy joven madre, Nina (¡muy bien Dakota Johnson!) , que carga en sus brazos una niñita que casi no suelta a mamá. Entre ambas se establece una cierta relación. Nina, aunque es una joven vulgar y mujer de un turbio millonario, es, en ese rol de madre demandada, un espejo de Leda. Desde ese momento los racontos se suceden en el metraje: Leda de joven (grandiosa Jessie Buckley) se transforma en la protagonista.
Pequeños hechos cubren con un velo inquietante este luminoso lugar, donde también hay cabida para la diversión. Mientras, entre idas y vueltas al pasado, Leda y el espectador terminan de cerrar los pendientes.
Olivia Colman, Jessie Buckley y Dakota Johnson son las astillas que terminan de reconstruir a la mujer rota de La Hija Oscura. Premiada en Venecia (mejor guion).
La Hija Oscura (The Lost Daughter)
Tragicómica y trepidante película por la que Allison Janney ganó un Oscar y tuvo Margot Robbie postulando a uno. El filme, en forma de falso documental, reconstruye el antes y el después del escándalo en que se vio involucrada la talentosa patinadora artística Tonya Harding. Allison Janney se luce como la intratable, insufrible y detestable madre de la deportista.
Esta es una historia personal triste y, sin embargo, hay mucho humor e irreverencia en la forma y el tono en que el director la relata, en la ambigüedad de su protagonista , víctima y victimaria, frágil y ruda a la vez.
Comienza con (supuestas) entrevistas a Tonya (M. Robbie), su ex marido Jeff (Sebastian Stan) y su madre LaVona (A. Janney), tres seres vulgares, algo ridículos y un resto cínicos, en distintos grados.
40 años antes de aquello, en Portland, Oregon, LaVona ha iniciado el engranaje para que se cumpla el destino que ella ha decidido para su pequeña de 4 años: Tonya será una estrella del patinaje sobre hielo. Para ello, le exige de manera despiadada y no trepida en golpearla si lo considera necesario.
A los 6 meses, LaVona ha logrado lo que buscaba: su hija gana un campeonato. De ese modo se cría Tonya y así aprende a ser. Cuando conoce a Jeff -un patán de aquellos-, se ilusiona con el afecto que recibe, algo que desconoce desde que su padre decidiera abandonar la casa. Pero Jeff es otro bruto más y como la violencia en las relaciones es para ella parte de lo normal, se casa con él.
Harding alcanzó la cima de la fama cuando se convirtió en la primera deportista en conseguir un salto “triple axel”… y cuando fue acusada de estar involucrada en la agresión, ocurrida en 1994, a su contrincante Nancy Kerrigan. La historia de Tonya Harding está jalonada de victorias, éxitos fulgurantes, fracasos estrepitosos y escándalos públicos y privados.
Tonya es el resultado de una tenebrosa relación madre-hija. Porque si algo logró la gélida LaVona fue dotar a su criatura de dureza, algo que no la hace apta para ser feliz, pero sí para ser una sobreviviente. Hay mucha dignidad en este singular personaje, cuyo destino brumoso se acompaña con los compases de “Dream a Little” (Doris Day) o “Romeo and Juliet”, de Dire Straits.
I, Tonya
Envuelta en una historia de ciencia-ficción —salpicada de aventura, riesgos, suspenso y no pocos elementos de thriller— Ad Astra es, en rigor, un drama que explora un dilema muy íntimo y tan antiguo como la humanidad: la búsqueda del padre.
El mayor Roy McBride (Brad Pitt) del Comando Espacial, se encarga de la narración, en reflexiones en off. En escenas alternadas sabemos que Roy tiene un matrimonio que se ha resquebrajado en buena parte por las largas ausencias que le demanda su trabajo.
McBride es un hombre controlado, tan eficientemente como para aprobar los sucintos tests sicológicos a los que cada cierto tiempo debe someterse. De ello se encarga una máquina. Roy ha aprendido a reprimirse, lo que le ha dado ventajas en su carrera, pero no así en su vida personal.
Sus superiores lo respetan por sus méritos y también por ser el hijo de un héroe, Clifford McBride (Tommy Lee Jones), un hombre que fue enviado en misión a Neptuno hace 29 años. De él, su hijo guarda los últimos mensajes recibidos y los recuerdos que puede tener un niño.
Fuertes tormentas eléctricas que amenazan al planeta ponen a McBride en una misión, junto a quien fuese un compañero de su progenitor (Donald Sutherland). El viaje de Roy es de doble sentido: va en busca del explorador, quien puede contener la clave del grave problema que enfrenta el Planeta, y del hombre.
Lo que lo obsesiona a Roy es un hecho cada vez más difícil de soslayar: la ausencia y la sombra del padre se han proyectado sobre él anulando su propia vida.
El misterio que realmente le ocupa no es el mismo que al Gobierno. Sabe que si quiere salir de su estancamiento vital debe encontrar a su padre, aunque sea de manera simbólica, para terminar de comprender si ha sido un niño abandonado, si está replicando esa herencia o si un accidente los separó.
Ad Astra
Rica en imágenes y tomas cuidadosamente pensadas, La enfermedad del domingo es la historia de un reencuentro y la búsqueda de los motivos de un abandono. La película se inicia en la mansión en Barcelona donde Anabel (Susi Sánchez, que acaba de ganar el Goya a Mejor Actriz de Reparto por Cinco Lobitos), casada con un rico empresario, se ocupa de los últimos detalles de un banquete que se realizará en unos momentos más.
Una vez finalizado el evento, se le planta delante Chiara (Bárbara Lennie), una mujer que bordea los 40, muy delgada, seria y de mirada decidida. A Anabel le cuesta reconocerla: Chiara es su hija, una que dejó abruptamente junto a su padre, cuando era una niña de unos 8 años, en un caserío francés donde alguna vez Anabel vivió antes de convertirse en la dama de alta sociedad que es hoy.
Chiara, cortante y con el rostro imperturbable le lanza sin preámbulos su desconcertante petición: “Necesito que pases 10 días conmigo”,
Anabel se traslada con Chiara a la cabaña en el bosque desde donde una vez se fue para nunca más volver. Lo que se supone es un reencuentro madre-hija es virtualmente una historia de misterio, con una situación y una “anfitriona” intimidantes por defecto. Ambas son mujeres con un aparato emocional atrofiado.
No sabemos sino hasta el final la respuesta a las dos preguntas que Anabel formula en varios momentos a su hija: “¿por qué estoy aquí?”, “¿qué quieres de mí?”. Y la pregunta que se hace el espectador: ¿Qué lleva a una madre a abandonar a su hija, sin motivo aparente? Esa respuesta aparece en una conversación -de cierto tono cínico- en un café en París y tiene relación con el título del filme. Reflexiones breves sobre memorias estancadas, pulsiones profundas y que se vinculan, vivencialmente, a ese sentimiento pedestre de los domingos, a medio camino entre el tedio del día y el stress de la rutina que está por volver.
Gran película: bella, áspera, fuerte, triste. (“Está la memoria que se mueve y nos ayuda a vivir. Y hay otra que se estanca. Muy poderosa. Y si no somos capaces de ponerla en movimiento, nos arrastra hacia abajo”).
La enfermedad del domingo
Una exquisita y deliciosa lección de arte y humor agudo. La fotógrafa Autumn de Wilde debutando en la dirección y la premiada novelista Eleanor Catton a cargo del guion toman la novela de Jane Austen y juegan con los personajes y las situaciones en un alarde de agudeza y sensibilidad.
De Wilde convierte cada plano en una explosión de colores cuidadosamente elegidos y combinados, construyendo escenarios pletóricos de detalles y formas.
Hay guiños desopilantes, como los biombos de Mr Woodhouse, padre de Emma; o lugares como la iglesia o la mercería que vende guantes, lazos y pequeñeces; o situaciones levemente ridículas que no dejan de aparecer para delicia del espectador. A veces es el juego de paleta de colores lo que provoca el humor; otras tantas, es la música, en una banda sonora en la que se intercalan canciones tradicionales con piezas de Mozart, Haydn, Beethoven, Bach interpretado por Glenn Gould.
Al comienzo del filme, se describe a Emma con la siguiente frase: “Bella, inteligente y rica, llevaba casi 21 años en este mundo sin nada apenas que la agotara o la molestara”. Y sí, aparte de lucir muchos lindos vestidos, a Emma, que vive sola con su padre viudo (genial Bill Nighy) en su bello y gran palacio, lo que le gusta es organizarle la vida a la gente. Sobre todo en materias amorosas.
Ciertamente esto provoca una serie de enredos y situaciones que terminan generando conflictos que explotan de manera no calculada.
Los personajes secundarios no tienen desperdicio y el casting es una genialidad.
De Wilde, sin dejar al azar el más mínimo rincón de la pantalla, conduce la intriga con suficiente destreza como para sacudirnos con ciertos giros solo valiéndose de pequeños detalles.
Emma
“Being alive” canta Charlie (Adam Driver) en un bar de Nueva York, a donde ha ido a parlotear con los amigos de su compañía de teatro, en uno de los tramos finales de la dolorosa Historia de un matrimonio.
La canción de Steven Sondheim (del musical de Broadway, “Company”) encierra la amalgama de emociones desgarradoras y sentimientos contradictorios que permanecen como sedimento en el alma de este hombre que aún no termina de vivir el tsunami del desamor.
El espectador asiste a ese viaje tristísimo de la deconstrucción del amor que emprende una pareja; es una relación que se ha ido rompiendo sin que lo hubiesen advertido del todo.
Charlie y Nicole (Scarlett Johansson) parecen la pareja perfecta: él es director de teatro; ella una actriz de Los Angeles, que tuvo un exitoso paso por Hollywood, y que lleva años integrada a la compañía que dirige Charlie en el off Broadway. Se admiran mutuamente, ambos se han enriquecido el uno al otro, tienen un hijo, Henry, al que adoran. Pero han llegado a un punto de no retorno.
El dolor, el desconcierto, la desolación con que Charlie y Nicole circulan traspasa la pantalla. Se puede llorar desconsoladamente con ellos: ¡hay tanta verdad y tantos sentimientos profundos en su zigzagueante y difícil recorrido!
También nos podemos sonreír con la singular y luminosa familia de ella o quedarnos boquiabiertos, junto con una disminuida Nicole, frente a la avasalladora y ultra sofisticada presencia de Nora (magnífica Laura Dern), en aquella parte del capítulo “abogados de divorcio” que abre espacio a una suerte de comedia cruel, dentro de este drama bergmaniano.
Repleta de escenas memorables, breves instantes cotidianos que se clavan como agujas en el alma, no da respiro, ni siquiera en su desenlace. La incertidumbre de nunca saber si cometimos un error o varios y cuáles exactamente fueron; si acaso, quizás, no se habló a tiempo; que hay dolores y heridas con los que hay que aprender a vivir porque no es llegar y dar vuelta la página: esos vagos pero filosos sentimientos son los que se adhieren al espectador cuando la película llega a su fin.
Historia de un matrimonio (Marriage Story)
Con el paso de los años, esta película se ha convertido en un filme entrañable y casi mítico, con Joaquin Phoenix en un rol que se distancia notoriamente del resto de su filmografía. En Her protagoniza una historia sorprendente, que juega con una ciencia-ficción inquietantemente posible.
Theodore, un tipo solo, que viene saliendo de una larga relación, sigue todos los días una invariable rutina. Va a su oficina donde trabaja redactando cartas emotivas, escritas en computador pero con caligrafía “a mano”, para los clientes que lo soliciten.
Y todas las tardes retorna a su departamento para internarse en videojuegos, conectarse a alguna sala de chat o usar servicios de sexo telefónico. Un día adquiere un nuevo sistema operativo que ofrece la red, un OS1, que le permite establecer una relación, de ida y vuelta, con una “persona” (voz de Scarlett Johansson): su sistema individual. Ella le dice que se llama Samantha y como los adictos a videojuegos Theodore empieza a vivir en función del momento en que se encontrará —vía computador— con ella.
Gran concepto de diseño y una dirección de arte exquisita. Oscar al mejor guion original
Ella (Her)
Luego de filmar Orgullo y Prejuicio (2005) el director Joe Wright y Keira Knightley volvieron a trabajar juntos para llevar al cine otra novela inglesa, esta vez de un autor contemporáneo, Ian McEwan. Escritor, director y actriz, todos son artistas bajo el embrujo de Jane Austen (1775 – 1817). De hecho, McEwan ha comentado que escribió su novela (2001) inspirado en la narrativa de su compatriota.
Pero Expiación posee hálito propio, un sello personalísimo y una potente atmósfera. Por lo demás, Cecilia Tallis (Keira Knightley) es una heroína siglo XX, sobre todo trágica; una marioneta en un mundo y una época dramáticamente convulsionados y arrancados de su eje.
Es 1935 en Inglaterra. En un tradicional castillo de la campiña, rodeado de un gran parque, la familia Tallis se apresta a recibir a los hombres de la familia, que vienen desde Londres. Mientras, Briony (Soarsie Ronan), una niña de 13 años con mucho sentido de su rol en el mundo, termina de teclear en la máquina una novela de su autoría.
La tragedia se precipita desde la misma pantalla, cuando la cámara reemplaza las idílicas —y algo decadentes— imágenes del castillo, la campiña, los fracs y los suntuosos vestidos de raso, por la guerra, la Segunda Guerra Mundial, con su pesadilla de destrucción de cuerpos y almas.
Jugando con elementos sutiles —como el zumbido tenue o más decidido de las abejas—, escenas vistas desde lejos, sin audio, o la repetición de éstas desde otra perspectiva, la película va instalando sensaciones indescriptibles en el espectador, envolviéndolo en esta historia de daños irreparables y personajes con sus muchas contradicciones a cuestas. El eje narrativo va girando junto con la desgracia y, como en un juego de muñecas rusas, también pone en entredicho realidad y verdad.
Inquietante historia. Inolvidable.
Atonement
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