Solo en manos de un director exquisitamente sensible y agudo como el canadiense Denis Villeneuve esta película adquiere la estatura que se esconde tras un tenso y escalofriante relato. Un thriller crudo e incómodo es expuesto como lo que en realidad es: una profunda y compleja reflexión moral.
Ciertamente funciona, y muy bien, como una historia policial de suspenso, asimilable a mucha serie exitosa sobre niños o adolescentes desaparecidos en algún bosque.
Mientras celebran juntos el Día de Acción de Gracias, las hijas pequeñas de los Dover y los Birch, Anna y Joy, desaparecen.
De la búsqueda e investigación se hará cargo el detective Loki (Jake Gyllenhaal). La única pista es una motorhome que ha estado estacionada frente a la casa: muy pronto dan con su conductor, Alex Jones (Paul Dano). Pero el muchacho, que vive con una tía en el lluvioso poblado, apenas habla: sufre un evidente retraso y pronto debe ser liberado.
Keller Dover (Hugh Jackman), padre de Anna, se trasforma en un verdadero perro de caza. Desesperado y rabioso, no trepidará en nada con tal de dar con el paradero de su hijita. Dover cruzará la línea moral que separa a victimarios de víctimas. Aunque el asunto resultará ser mucho más complejo aún, a medida que vamos conociendo a los personajes involucrados.
Una tragedia sobre el bien y el mal, expuesta de manera brillante y con actuaciones sobrecogedoras.
Prisoners/Intriga/La sospecha
Dirección: Denis Villeneuve
Guion: Aaron Guzikowski
Música: Jóhann Jóhannsson
Fotografía: Roger Deakins
Reparto: Hugh Jackman, Jake Gyllenhaal, Viola Davis, Maria Bello, Terrence Howard
EE.UU., 2013
Duración: 153 min.
La Dra. Louise Banks (Amy Adams), una experta lingüista que ha perdido a una hija, es convocada por el Gobierno luego que doce naves —en forma de largos ovoides, de un negro opaco— se han posado en distintos lugares del planeta: China, Venezuela, Siberia. En EE.UU., hay uno de ellos en un campo de Montana.
La Dra Banks, que domina varias lenguas, y un científico matemático, Ian Donnelly (Jeremy Renner), son trasladados al campamento que personal de elite de las Fuerzas Armadas ha instalado en la zona de Montana donde permanece suspendido uno de estos “ovoides”. Allí, ella y Donnelly comienzan sus abordajes para lograr establecer una comunicación.
¿Cómo descifrar signos, ruidos? ¿Cómo relacionarse con “alguien” que tiene otro lenguaje, en el más amplio sentido de este concepto? “Para comunicarse verdaderamente hay que exponerse”, afirma decidida Louise. Y eso es hacer un esfuerzo enorme para entender al otro y a su vez explicarle a ese otro nuestro lenguaje. Tal como hacemos con nuestros hijos, a quienes enseñamos a compartir nuestra lengua y nuestras convenciones o “acuerdos”.
En torno a ese complejo proceso gira la película, una alegoría de la eterna dificultad de comprendernos entre los seres humanos, que se evidencia allí mismo: mientras Louise, Donnelly y los aliens intentan armar un abecedario común, afuera del campamento los gobiernos han comenzado sus disputas y desacuerdos sobre cómo enfrentar esta “visita” (las naves solo están allí, nada más); a su vez, distintos grupos deciden interpretar la situación a su modo y adoptar drásticas decisiones, suponiendo más que informándose.
“El lenguaje que hables determina tu pensamiento”, afirma Louise. Y también puede alterar conceptos como el tiempo y el espacio.
Villeneuve se inspiró en un cuento breve de Ted Chiang, Story of your life para este filme. El dramatismo de sus grandes planos generales, los “tilt down”, la acertadísima musicalización y su vocación humanista son una constante aquí y en toda su filmografía.
Arrival
Director: Denis Villeneuve
Guion: Eric Heisserer
Reparto: Amy Adams, Jeremy Renner, Forest Whitaker, Michael Stuhlbarg, Mark O’Brien
Música: Jóhann Jóhannsson
Fotografía: Bradford Young
EE.UU., 2016
Duración: 116 min.
Un guion cargado de sutilezas y también de diálogos con estilete mantienen al espectador en el borde del asiento. Jordan Peele, que debutó en la dirección y guion con este filme, alterna con maestría la cotidianidad y el terror, el suspenso y el humor, lo fantástico con lo real, armando un puzzle perfecto, sin faramallas ni pirotecnias.
Este thriller parece una aguda y retorcida sátira sobre la corrección política. Y lo es. Porque en un mundo aparentemente “progresista”, la hipocresía y el racismo tienen una cara mucho más sofisticada y retorcida.
Es de noche y la ingenua canción de Flanagan & Allen, “Run Rabbit Run”, acompaña una escalofriante primera secuencia. Tras esa breve introducción, se nos abre luminoso el día en el departamento, muy de diseño, del fotógrafo Chris Washington (Daniel Kaluuya). Él es afroamericano y vive allí con su bella novia blanca, Rose (Allison Williams). La pareja prepara maletas: pasarán el fin de semana en la finca de los padres de Rose, quien quiere presentarles a su novio.
Antes de partir, Chris le pide a su amigo Rod (LidRel Howery), un cómico y bonachón agente de seguridad de Administración del Aeropuerto, TSA, que cuide a su perro.
Junto con iniciarse el viaje la historia comienza a caminar, muy de a poco, por senderos inquietantes. Un pequeño accidente carretero, la sangre de un animal atropellado, un policía no muy amistoso; nada más.
La gran casa de los Armitage, frente a un bosque y un hermoso lago, es tan acogedora como lo son Dean (Bradley Whitford) y Missy (Katherine Keener), los padres de Rose. Él, neurocirujano; ella, siquiatra.
De allí en adelante el relato se va adentrando de a poco pero a tranco firme por los terrenos del suspenso, el misterio, lo fantástico, el thriller y el terror.
Get Out / Huye
Director y guion: Jordan Peele
Música: Michael Abels
Fotografía: Toby Oliver
Reparto: Daniel Kaluuya, Bradley Whitford, Allison Williams, Catherine Keener
Estados Unidos, 2017
Duración: 103 min.
Basada en una novela de Upton Sinclair (“Oil!”), la historia rezuma amargo escepticismo. Protagonista y antagonista no son más que dos villanos antihéroes, cuya pulsión central es la codicia y las ansias infinitas de poder.
El siempre camaleónico e intenso Daniel Day-Lewis interpreta a Daniel Plainview, un hombre desalmado, de mirada avariciosa y mezquina. El filme —sin ningún personaje femenino— recorre los parajes áridos por donde se abre paso Plainview para mutar de pirquinero a magnate del petróleo, sin dejar nunca de buscar desesperadamente más.
Acompañado de su pequeño hijo —de la madre nunca se sabe—, buscando el oro negro en la polvorienta Little Boston, se cruza con su alter ego, el predicador, devenido en pastor pentecostal, Eli Sunday (Paul Dano), un sujeto cínico e inmutable, que pone en práctica la teoría de que la religión es el opio del pueblo.
En la sorda lucha entre estos sujetos, fríos y apasionados a la vez, transcurre Petróleo sangriento. Una película agotadora, intensa, fascinante.
There Will Be Blood /Petróleo Sangriento
Dirección y guion: Paul Thomas Anderson
Música: Jonny Greenwood
Fotografía: Robert Elswit
Reparto: Daniel Day-Lewis, Paul Dano, Dillon Freasier, Kevin J. O’Connor, Clarán Hinds, Dillon Freasier
EE.UU., 2007
Duración: 2 horas 38 min.
Una de las obras cumbre de Michael Mann (junto con The Insider, 1999, y Manhunter, 1986), bajo la forma de un thriller de acción trepidante, Fuego contra Fuego es en realidad un drama humano y moral, agudo y profundo.
En una de aquellas escenas de antología que os brinda el buen cine, reúne a Al Pacino y Robert De Niro, como esa dupla simbiótica que conforman un policía y un delincuente, en un diálogo en un café, cuya tensión se siente pese a la serenidad con que se intercambian las escuetas frases.
Neil McCauley (De Niro) es un experimentado y sagaz ladrón que dirige una banda con la que ha perpetrado los atracos más espectaculares de los que se tenga memoria. Neil tiene una familia (ama a su mujer y su hijo) y mide bien sus pasos, más aún cuando se trata de lo que será el último golpe.
Tras su huella ha estado el detective Vincent Hanna (Pacino), un policía inteligente y perspicaz, que sabe que no se enfrenta a cualquier delincuente.
La vida amorosa de Vincent ha sido un desastre: cuánto más eficiente es como detective, más se resiente cualquier relación. Esta parece ser la última oportunidad, pero no le está yendo bien. Hanna está obsesionado con atrapar a McCauley y eso no es sencillo: no hay horarios ni límites en este trabajo.
Entre Hanna y McCauley se juega una partida de ajedrez con las calles como tablero: en los más insospechados rincones de la ciudad, casas, departamentos, restoranes se desplegarán los movimientos que serán los definitivos en muchos aspectos.
Las relaciones de pareja y la familia juegan aquí un rol relevante, que se entreteje en la trama de tal forma que la película trasciende largamente una historia de policías y ladrones. Esto va de seres humanos y su cotidiano, aunque esta incluya la violencia.
Heat
Dirección y guion: Michael Mann
Música: Elliot Goldenthal
Fotografía: Dante Spinotti
Reparto: Al Pacino, Robert De Niro, Val Kilmer, Amy Brenneman, Ashley Judd, Mykelti Williamson
EE.UU., 1995
Duración: 172 min.
Una apasionante y sorprendente historia de egos, abuso de poder, talento artístico y música es la que amasa Damien Chazelle (que alguna vez estuvo en una academia de jazz, de la que no tiene buenos recuerdos) en Whiplash.
J.K. Simmons alcanzó el peak de su notoriedad como actor encarnando al abusivo Profesor Fletcher. Frente a él, su alumno, el joven y obsesivo aprendiz de baterista Andrew Newman, interpretado con mucha fuerza y matices por Miles Teller.
La desesperación de Andrew por triunfar, ser exitoso, ser el mejor, choca frontalmente con algo inesperado: un maestro de música de un perfeccionismo que linda con lo sicopático, con métodos abusivos y derechamente violentos.
La tensión y la ansiedad se instalan así desde el comienzo, con una historia llena de vuelcos y remates del todo inesperados, en un cruento duelo entre dos caracteres complejos.
Datos. Whiplash es una canción estándar del jazz. La película partió siendo un corto que se presentó en Sundance; ya en 2014 llegó como largo, ganando el premio del público y el jurado.
Whiplash
Dirección y guion: Damien Chazelle
Música: Justin Hurwitz
Fotografía: Sharone Meir
Reparto: Johnny Simmons, Andrew Neiman, J.K. Simmons Fletcher, Nate Lang Carl, C.J. Vana Metz
EE.UU., 2014
Duración: 1 hora 47 min.
Este atrapante thriller de acción y suspenso utiliza una premisa que no se ve tan sencilla de resolver: bioterrorismo a bordo. Es a lo que se enfrenta la tripulación Sky Korea 501 y sus 121 pasajeros —que viajan de Seúl a Hawai— cuando se encuentran con que un hombre joven que viaja solo transporta, en un adminículo muy bien escondido, un virus de rápida propagación y que está resuelto a esparcir.
La primera parte del relato se divide entre el bullente aeropuerto de Incheon y ciertos lugares de la ciudad, que tienen que ver con aquellos personajes en que se concentrará la película.
Cuando el avión despega, muchos hechos han ido sucediendo en tierra, entre ellos, un tenebroso hallazgo en un departamento en medio de enormes torres. Lo que sigue se concentra, en buena medida, en lo que va sucediendo durante el vuelo.
La situación se complejiza y crece, lo que determina la entrada en acción de altos mandos del Gobierno, contactos a nivel internacional y ubicar a un gran laboratorio. Esta escalada de hechos, pistas y reacciones va deparando una sorpresa tras otra. Tanto en el aire como en tierra.
Hasta el mismo final, los giros no dejan de suceder.
Interesante la opción de no sobrecargar las escenas de caos con sonido “ambiente”, esto es, muchos gritos y chillidos. En lugar de ello, se apela a la cámara lenta y a una banda sonora elegida con precisión.
Muy bien lograda y ¡muy entretenida!
(Estrenada en el Festival de Cannes).
Bisang seoneon
Dirección y guion: Han Jae-rim
Fotografía: Lee Mo-gae, Park Jong-chul
Reparto: Song Kang-ho, Lee Byung-hun, Jeon Do-yeon, Kim Nam-gil, Park Hae-jun, Im Si-wan, Kim So-Jin
Corea del Sur, 2021
Duración: 147 min.
Oscura, dura y muy ruda, como lo es su protagonista, esta película polaca no tiene nada que ver con ese cúmulo de producciones sobre la maternidad, ya sean más o menos dulzonas o, a la inversa, ácidas, terroríficas o amargas.
Esta es la historia de Nina, una solitaria ex agente de operaciones especiales de la OTAN, que vive en la clandestinidad. Una mujer que parece sacada de un animé, que circula por calles y barrios sucios y peligrosos. No lo son para ella en realidad: con rápidos movimientos corporales (y lo que su mirada de lince es capaz de pillar como arma) puede enfrentarse a una tenebrosa pandilla y también resistir ataques brutales.
Pero su vida tiene un propósito: reencontrarse con el hijo que alguna vez dio en adopción. El chico, que ya tiene 17 años, es secuestrado por una organización gangsteril y ciertamente Nina desplegará todas sus mortales habilidades para rescatarlo.
Violenta y cruda, la película, no obstante, es manejada con el cuidado de no cruzar ciertos límites que la harían intolerable. Y sobre todo, denota un estilo y una estética que la hacen muy singular. El manejo del ritmo y la tensión, excepcional.
Dzień Matki
Dirección: Mateusz Rakowicz
Guion: Lukasz M. Maciejewski, Mateusz Rakowicz
Reparto: Agnieszka Grochowska, Jowita Budnik, Szymon Wróblewski
Polonia, 2023
Duración: 94 min.
Protagonizado por el británico Freddie Highmore (The Good Doctor), este thriller español mezcla elementos de películas de espionaje y otro poco de conspiraciones.
Un prólogo nos remonta al hundimiento de un galeón español lleno de tesoros en 1645. En 2009, Walter (Liam Cunningham), un comerciante de arte, surca por esos mares. James (Sam Riley), su socio y buzo estrella, consigue rescatar esos tesoros. Pero la corona española reclama lo que es suyo y la Corte Internacional de La Haya le da la razón. El tesoro va a parar al imponente Banco de España, conocido por su inexpugnable sistema de seguridad.
Walter reúne a su tropa: James, la escurridiza Lorraine, Simón (Luis Tosar). Pero necesitan a alguien más. Y ese es Thom (F. Highmore), un chico prodigio de 22 años, un ingeniero recién salido de la U, que acaba de rechazar un trabajo soñado en Londres.
Cómo y porqué decide unirse al grupo es parte de los recovecos del relato.
Director y guionistas situaron esta historia llena de giros en un Madrid efervescente con el Mundial de Fútbol de 2010, que España ganaría.
Los personajes, aun los secundarios, son lo más atractivo de esta trepidante intriga de suspenso. Clave construir un buen antagonista: y ese es el jefe de seguridad del banco, Gustavo (el gran José Coronado), un tipo sagaz y con mente de lince.
Entre salones, restoranes, bares, subterráneos y la central llena de aparatos tecnológicos donde opera la pandilla, se abren impresionantes espacios y planos generales de la Plaza de Cibeles y los imponentes edificios que la rodean, entre ellos el del Banco. Allí, en torno a la magnífica fuente de agua, se reunirán las multitudes a mirar en pantalla gigante el desempeño de su Selección en el Mundial. Un momento clave para todo el mundo. Literalmente.
Muy entretenida.
Asalto a la casa de Moneda/ Way Down
Dirección: Jaume Balagueró
Guion: Rafa Martínez, Andrés M. Koppel, Borja Glez
Fotografía: Daniel Aranyo
Reparto: Freddie Highmore, Liam Cunningham, Astrid Bergés-Frisbey, Sam Riley, Famke Janssen, Luis Tosar, José Coronado
España, 2021
Duración: 2 horas
Envuelta en una historia de ciencia-ficción —salpicada de aventura, riesgos, suspenso y no pocos elementos de thriller— Ad Astra es, en rigor, un drama que explora un dilema muy íntimo y tan antiguo como la humanidad: la búsqueda del padre.
El mayor Roy McBride (Brad Pitt), del Comando Espacial, es un hombre controlado: ha aprendido a reprimirse (que es más que controlarse), lo que le ha dado ventajas en su carrera, pero no así en su vida personal.
Sus superiores lo respetan por sus méritos y también por ser el hijo de un héroe, Clifford McBride (Tommy Lee Jones), un hombre que fue enviado en misión a Neptuno hace 29 años. De él, su hijo guarda los últimos mensajes recibidos y los recuerdos que puede tener un niño.
Fuertes tormentas eléctricas que amenazan al planeta ponen a McBride en una misión, junto a quien fuese un compañero de su progenitor (Donald Sutherland).
El viaje de Roy es de doble sentido: va en busca del explorador, quien puede contener la clave del grave problema que enfrenta el planeta, y del hombre. Nadie sabe si Clifford está vivo, ni qué pasó realmente con él y con su misión de encontrar vida más allá de la Tierra.
Lo que obsesiona a Roy es un hecho cada vez más difícil de soslayar: la ausencia y la sombra del padre se han proyectado sobre él anulando su propia vida. Sabe que si quiere salir de su estancamiento vital debe encontrar a su padre, aunque sea de manera simbólica, para terminar de comprender si ha sido un niño abandonado, si está replicando esa herencia o si un accidente los separó.
Ad Astra (“hacia las estrellas”) es el viaje interno de un hombre que espera con ansias el momento de terminar con su soledad.
Ad Astra
Dirección: James Gray
Guion: James Gray, Ethan Gross
Música: Max Richter, Lorne Balfe
Fotografía: Hoyte van Hoytema
Reparto: Brad Pitt, Tommy Lee Jones, Donald Sutherland, Ruth Negga, Liv Tyler
EE.UU., 2019
Duración: 122 min.
La ópera prima de Macon Blair (ganadora de Sundance 2017) nos sumerge en las vidas vulgares y poco heroicas de un puñado de personas de una ciudad sin importancia de Estados Unidos, montando un inteligente puzzle de géneros en el que se mezclan el humor negro y algo de grotesco, con el thriller sangriento e incluso el romance.
Cuando comienza la historia, nada parece que pueda variar la anodina existencia de Ruthie (Melanie Lynskey), una auxiliar de enfermería sin el menor atractivo, ni tampoco su abulia con visos de depresión. Solo que la segunda vez que el vecino permite que el perro que pasea deposite sus fecas en el jardín de Ruth, ésta reacciona -un verbo intenso para ella- y termina conociendo a Tony (Elijah Wood, en un estupendo desempeño), lo que no es necesariamente un progreso en sus relaciones sociales. Tony, además de nerd y algo TOC, es un sujeto tímido y torpe.
Pero sí hubo alguna vez algo -o alguien- que hizo que Ruth se sintiera a gusto en este mundo: su abuela. Por eso, cuando prácticamente en sus narices entran a robar a su casa y se llevan la cuchillería de plata que heredó de la anciana, despierta de su modorra vital.
Sin planificación y sin calcular consecuencias -y ante la desidia total de la policía- se lanza a la búsqueda de los pocos bienes que le han birlado (entre ellos, su computador).
Macon Blair descoloca con un guion que de pronto parece cobrar vida propia y donde el humor y el sarcasmo nunca dejan de aparecerse. En algún momento, este mundo gira su eje y se produce ese sutil pero trascendental cambio que al comienzo de la historia parecía imposible.
Muy original. Para cinéfilos.
I Don’t Feel at Home in This World Anymore
Dirección y guion: Macon Blair
Reparto: Melanie Lynskey, Elijah Wood, David Yow, Jane Levy, Devon Graye
EE.UU., 2017
Duración: 93 min.
Lo mejor de la última película de Disney Pixar son las extasiantes imágenes y la arquitectura de la ciudad Elemento, donde conviven seres de fuego, aire (una suerte de nubes), tierra (pequeños árboles o vegetales) y agua.
Ember (o Candela), hija de una familia fuego que ha llegado de lejos a instalar una tienda, se involucra con Wade (Nilo), un Inspector buena persona… pero de la familia Agua. ¿Un amor imposible? Depende.
Ember se debate entre lo que su padre ha soñado para su hija y lo que en verdad ella quiere.
Elemental
Dirección: Peter Sohn
Guion: John Hoberg, Kat Likkel, Brenda Hsueh
Música: Thomas Newman
Animación
EE.UU., 2023
Duración: 103 min.
Si Jennifer Lawrence siempre ha sido desenfadada, en esta oblicua comedia romántica no se pone límites. Ella es Maddie, una ya no tan joven chica, inmadura e inestable, que está a punto de perder la casa que heredó de su madre por no pagar contribuciones (¡!). Como está ubicada en un idílico lugar, las mansiones que se han ido instalando han ido subiendo el precio del suelo. Por eso acepta un singular trabajo.
Una comedia irregular, con algunos buenos momentos y unas maravillosas locaciones junto al mar.
No Hard Feelings
Dirección: Gene Stupnitsky
Guion: John Phillips, Gene Stupnitsky
Reparto: Jennifer Lawrence, Andrew Feldman, Laura Benanti, Natalie Morales, Matthew Broderick
EE.UU., 2023
Duración: 103 min.
Esta singular película, que estuvo nominada al Oscar 2020, sigue a Daniel, un joven recluso, que cuando abandona el centro penitenciario, llega a un pequeño pueblo. Allí, el párroco del lugar, enfermo, le pide que le sustituya en algunas de sus funciones pastorales. Daniel quiere ser sacerdote pero sus antecedentes se lo impiden.
El equívoco, no obstante, sirve a la comunidad, que acaba de enfrentar una tragedia, como el detonante de su proceso de sanación.
¡Muy original!
Boże Ciało
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