Estrenada en cines a principios de febrero, si no alcanzaron a verla esta es su oportunidad. Porque es de ese tipo de películas ¡imperdibles! Un drama humano tan vívido, construido con una tensión y suspenso que se mantienen hasta las últimas escenas.
Esta muy bien filmada y dolorosa película parece un documental: mucho de lo que vemos y escuchamos es casi lo mismo que nos llega a través de la prensa y las redes sociales. Solo que lo que se nos comparte es desde una mirada íntima y personal.
Basada en la premiada novela “La hija de la española” (2019), de Karina Sainz Borgo, zambulle al espectador en una Caracas caótica, sumida en protestas, con soldados que disparan y toman preso a cualquiera, apoyados por los “colectivos” en moto.
Es 2017. En medio de todo ello, Adelaida (Natalia Reyes) entierra a su madre. Tras regresar al departamento y ordenarlo, responde llamados de su editorial en México y de una amiga angustiada por su hermano, Santiago, perdido en alguna cárcel desde hace dos meses. Al salir, se encuentra con su cariñosa vecina, Aurora. Adelaida baja a la calle en medio de la batahola para abastecerse de lo elemental. Al regresar se encuentra con que el departamento ha sido “okupado” por un grupo de mujeres, cuya prepotente líder le informa que “¡todo esto le pertenece a la revolución!”.
Tras sobrevivir a la agresión, con ayuda de amigas, Adelaida, a modo desesperado, logra entrar al departamento de Aurora, para encontrarse con una sorpresa.
De ahí en adelante todo se vuelve una peligrosa e impredecible aventura de supervivencia en la que, en medio del terror, deberá avivar el ingenio a cada paso.
Pronto entiende que la única opción es irse del país. Pero ¿cómo?
En los raccontos aparecen su madre; ella y Aurora de pequeñas; su novio (Edgar Ramírez), desaparecido tras una incursión en zona guerrillera, donde se supone obtendría un trato.
Los breves relatos que escuchamos llegan a dar escalofríos: son idénticos a los que hemos conocido de los presos liberados.
Cada secuencia avanza como un thriller de suspenso. Porque cuando no hay leyes, ni reglas, ni acuerdos mínimos de convivencia, cualquier cosa puede ocurrir.
Estrenada en el Festival de Venecia, luego en Toronto (donde obtuvo cuatro premios) y en Huelva, donde obtuvo el Colón de Plata.
Aún es de Noche en Caracas
Dirección y guion: Mariana Rondón, Marité Ugás.
Venezuela, 2025
Duración: 97 min.
Como reportero in situ, y valiéndose de aquella metodología de observación participante propia de los antropólogos, Jon Alpert hizo un registro único del devenir de Cuba desde comienzos de los ’70 hasta el 2016.
Y lo hizo a través de tres familias cubanas a las que siguió y buscó cada vez que aterrizaba en la isla, en las cuatro décadas que le tomó su reporteo. Personas con las que trabó una amistad que se palpa a través de la pantalla.
Al principio, en sí mismo una extrañeza (algo así como el único “gringo” en La Habana), Alpert, con su pesada cámara, capturó muchos momentos álgidos de la vida pública tras la naciente revolución, entrevistando varias veces a Fidel Castro al que incluso siguió en su visita a la ONU en Nueva York, en el mismo avión que lo transportaban a él y su comitiva.
Al inicio del metraje, Alpert incluye comparaciones con algunas deterioradas barriadas en EE.UU. y aunque no lo explicite, comparte el entusiasmo de sus entrevistados y amigos por esta revolución. Porque con ellos recorre el tortuoso camino de este proceso.
Aunque incluye algunos registros (algún discurso de John Kennedy, el episodio Mariel) hay poco contexto, sin que ello sea un defecto. No explica la abundancia de los primeros años (expropiaciones varias), ese tiempo en que el discurso de salud, educación y vivienda gratuitas coincide con la realidad, pero sí menciona que Cuba fue mantenida por la URSS hasta que ésta se disolvió (da cifras).
Así, una y otra vez, años tras años, vuelve a la isla a buscar a sus amistades.
Unos son tres “guajiros”, los Borrego, hombres mayores, y su hermana, que trabajan su finca y tienen sus animales.
A otros los conoce y pone en cámara cuando son apenas unos niños y los sigue buscando, para encontraros adultos.
Con ellos recorre almacenes, panaderías y hospitales que en las primera imágenes mostraban abundancia y con el paso de los años se van vaciando y deteriorando hasta la miseria. Lo que también se refleja en las casas de sus amigos y la pequeña finca de sus “viejos”.
Tras la Caída del Muro de Berlín, en sus discursos, Fidel habla del “período especial”, del esfuerzo que deben hacer todos, que el turismo será importante… y del bloqueo.
En paralelo, Alpert encontrará a alguno de sus amigos en prisión, sin que sus hermanos les expliquen el porqué; en otra visita ya estará él mismo ahí para contarle su historia.
Las “migraciones” se suceden ya no como al comienzo. Y también la represión, que lo alcanza a él, sin consecuencias ulteriores de mayor gravedad.
En este asombroso recorrido vital hay dos hechos que llaman la atención y que permiten comprender muchas cosas inexplicables: la calidez, alegría y entusiasmo (con gotas de resignación ) de esos hombres y mujeres, aún en sus momentos más duros, y el carisma seductor de Fidel Castro.
Ciertamente la música es un elemento fundamental. Desde la popular, como “Qué rico vacilón”, hasta aquella que cierra, “Cuba qué linda es Cuba”, un himno triunfante que ya se escucha con dolor.
15 premios Emmy.
Cuba and the Cameraman
Dirección, Guion y Fotografía: Jon Alpert.
Documental
EE.UU., 2017.
Duración: 113 min.
Muy al estilo de ciertas dramedias que protagoniza Glen Powell, esta singular película es una suerte de historia de suspenso, llena de giros, en torno al inmenso y complejo tema de la moral. La ética vital en todas sus dimensiones, desde aquella más básica hasta la que traspasa límites. Y es que finalmente, no hay “categorías”, aunque solemos minimizar ciertas conductas y alterarnos por otras: en realidad, la línea de la moral es un continuo aunque no todo el mundo haga el “cruce” completo.
La vida de Becket Redfellow (G. Powell) parece “diseñada” para recorrer ese cruce. Hijo de una muy joven y riquísima heredera/desheredada que se le mal ocurrió enamorarse de un músico, Becket creció pobre pero compartiendo ciertos deportes y actividades con niños y niñas de las clases altas de N.Y. Las distancias se notarán cuando él se emplee en una tienda cualquiera y sus compañeritos lo miren en menos.
Pero Becket es inteligente, carismático, encantador. El reencuentro con Julia (Margaret Qualley) es casi un juego de quién es más amoral y frío, pasiones de por medio.
Por esas cosas de las leyes, en realidad Becket puede aspirar a la herencia de su abuelo Whitelaw (Ed Harris), otro ser gélido y amoral. El asunto es que es el octavo en la línea de sucesión. Nada que no se pueda “solucionar” con un plan bien elaborado.
El desfile de la parentela no tiene desperdicio.
How to Make a Killing
Dirección y guion: John Patton Ford.
Reino Unido, 2026.
Duración:105 min.
Otro mix de thriller y comedia romántica, con Glen Powell como protagonista y coguionista.
Gary Johnson (Glen Powell) es un profesor de Psicología y Filosofía que colabora con la policía de Nueva Orleans para atrapar a civiles que quieren contratar a un sicario.
Un día asume el rol de agente encubierto: disfraces mediante (algo ridículos), es una tarea que hace con gusto. Hasta que conoce a Madison (Adria Arjona), una mujer desesperada que intenta huir de un novio maltratador, una clienta potencial, de la que se enamora.
Hit Man
Dirección: Richard Linklater.
Guion: Richard Linklater, Glen Powell, Skip Hollandsworth.
EE.UU., 2023.
Duración: 113 min.
Estrenada a principios de enero, esta película marcó el regreso de Brendan Fraser a los roles protagónicos tras su Oscar a Mejor Actor 2023 por La Ballena, una dolorosa tragedia.
Familia en Renta es una película inspiradora, un drama psicológico y emotivo, con varios toques de comedia.
El actor Phillip Vandarpleog (Brendan Fraser) lleva siete años viviendo en Tokio. Llegó a Japón para protagonizar un spot de pasta dental, muy exitoso, tanto así, que es por lo único que lo reconocen, para su vergüenza (es francamente ridículo).
Su representante le busca trabajos y nada. Hasta que un día lo llama y lo manda que vaya urgente a cierto lugar. Al llegar, se encuentra con una ceremonia fúnebre. O no exactamente. Su retraso (y su tamaño) hacen de su ingreso igual que el de un elefante en la cristalería.
A pesar de ello, los organizadores de la curiosa ceremonia lo invitan a visitar sus oficinas: las de Rental Family. El jefe Shinji Tada (Takehiro Hira) le explica que, como actor, tiene que asumir algunos roles: como el de un novio en una elegante ceremonia; el del padre de una niña que de otro modo no puede entrar a un determinado colegio; o el de periodista entrevistando a un artista que fue venerado en su tiempo pero al cual ya nadie parece importarle.
Algo atónito por semejantes encargos, termina sumándose a algo que no termina de comprender del todo. “Vendemos emociones. Es como ayudarlos a conectarse”, le explica Shinji. ¡Y que vayan a terapia!, replica Phillip. No… Eso, aquí, no…, cierra el jefe.
Y es que en Japón existen numerosas empresas de esta índole, que ofrecen servicios tipo “familia de alquiler”.
Phillip empieza algo torpemente, con cierto temor, pero de pronto, él mismo empieza a experimentar, con asombro, ciertas emociones que no estaban en su radar y a comprender lo que no se había imaginado.
Rental Family
Dirección: Hikari.
Guion: Stephen Blahut, Hikari.
Japón, 2025.
Duración: 103 min.
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